●1 A anatomia da arte — então e agora
1.1 Amizade entre ciência e arte
1.1.1 O erro e a correção do preconceito relevante da anatomia da arte
1.1.2 A relação especial entre anatomia artística, ciência e arte
1.2 Sob a perspectiva das perspectivas históricas, os artistas utilizam a finalidade e o modo da anatomia anatômica
1.2.1 A missão do Renascimento
1.2.2 Da Vinci - Anatomia e educador
1.2.3 Mapa do músculo humano - Diagrama de anatomia de arte disponível de anatomia de arte controversa
1.2.4 metros da relação entre anatomia da arte e anatomia da arte
1.2.5 norte - não anatomia pátria
1.2.6 Anatomista Dajinqi: Visali
1.2.7 Anatomia artística dos séculos XVII e XVIII e o advento do seu primeiro livro didático
1.2.8 A anatomia artística evoluiu para uma disciplina independente
1.2.9 As restrições espirituais e a nova motivação da anatomia da arte no século XX
1.2.10 Visões críticas sobre a anatomia artística no mundo de língua inglesa
1.2.11 A natureza constante e a variabilidade da anatomia da arte
1.3 Conceitos atuais relacionados à anatomia artística
1.3.1 O propósito da criação artística é determinado pela sua essência
1.3.2 Relação professor-aluno na anatomia da arte
1.3.3 Objetivos e tarefas especiais da anatomia artística
1.3.4 A estrutura do sistema de conhecimento e a capacidade de ensinar o sistema
1.3.5 Dê vazão total à criatividade artística dos alunos
1.3.6 Questões de proporção, dinâmicas e estáticas
1.3.7 Problemas de forma estrutural
1.3.8 Características físicas e espaciais
1.3.9 A correlação entre forma e espaço
1.3.10 Multifacetado e limites
2 proporção humana
2.1 Introdução
2.1.1 Objetivo
2.1.2 Conceito: proporções, moldes e padrões
2.1.3 Método de medição, motivação histórica, motivação atual
Sistema de proporção tipo 2.2
2.2.1 As características morfológicas gerais dos dois gêneros
2.2.2 A proporção corporal de homens e mulheres
2.2.3 Instruções suplementares sobre tipos proporcionais
2.3 Aplicação das características de forma do tipo corporal em obras de arte
2.4 A proporção dos diferentes estágios de desenvolvimento
2.5 Diferentes tipos de características de forma em obras de arte
3 Fundamentos estáticos e dinâmicos da postura e do movimento humano
3.1 Leis estáticas e dinâmicas
3.1.1 Conceitos: centro de gravidade, linha de gravidade, superfície de apoio, estabilidade e suas relações regulares
3.1.2 Levante-se verticalmente quando o centro de gravidade não ocorrer
3.1.3 Deslocamento do centro de gravidade em pé
3.1.4 Posição em pé causada pelo peso do deslocamento da força externa
3.2 Postura da perna composta pela perna vazia e pela perna em pé (postura relativa)
3.2.1 Fraco suporte para suporte
3.2.2 Características morfológicas da postura relativa e suas mudanças regulares típicas
3.2.3 Relatores sob ação de forças externas
3.2.4 Manter uma ação de expressão equilibrada
3.3 Postura sentada e sentada
3.4 Aplicação da regularidade da postura estática em obras de arte
3.5 Passo
3.5.1 Diferentes estágios da caminhada
3.5.2 Momento maravilhoso
3.6 Corrida e suas fases
3.7 Aplicação do Movimento de Posição Regular em Obras de Arte
3.8 Exercício de trabalho
3.8.1 Elevação, preensão e abaixamento de objetos pesados
3.8.2 Configurar, apoiar e acabar com o movimento
3.8.3 Corte horizontal
3.8.4 Movendo objetos pesados
3.9 A base objetiva do movimento de trabalho e do movimento de expressão nas obras de arte nas obras de arte
4 A estrutura tridimensional do corpo
4.1 Visão geral do esqueleto
4.2 Visão geral conjunta
4.3 Visão geral dos músculos
4.3.1 forma muscular
4.3.2 Componente muscular e seu tecido auxiliar e papel
4.3.3 Composição das Atividades
4.4 Visão geral da pele e gordura
4.4.1 Composição especial da pele
4.4.2 gordura
4.4.3 Corpos adiposos comuns e especiais
4.5 Aplicação da composição da forma humana em obras de arte
……
5 membros inferiores
6 Esqueleto do tronco
7 sistema muscular do tronco
8 Membros superiores
9 Pescoço
10 cabeças
Conclusão: Anatomia Artística e Liberdade Artística
bibliografia
Índice de nomes
Índice de Nome Próprio

O corpo humano tem sido o cerne da arte desde a era grega antiga. O trabalho clássico e o material didático de Gottfried Balmes sobre anatomia artística ganharam reconhecimento internacional. Ele combina perfeitamente o conhecimento científico com a prática artística. Este trabalho analisa completa e sistematicamente as etapas de aprendizagem e prática da representação do corpo humano e descreve completamente a história da anatomia artística e a história de sua influência na imaginação artística tridimensional do corpo humano. Este livro discute principalmente as proporções do corpo humano, a regularidade do estático e dinâmico, a relação da forma e a base da modelagem da imagem humana e sua forma simplificada. O professor Balmes analisa a estrutura e a forma externa dos ossos, músculos, tendões, articulações, etc. do corpo humano em detalhes de várias partes e compara o corpo humano a um edifício, para que os leitores possam aprender a observar e desenhar figuras humanas de uma perspectiva global. O autor mostra, portanto, como dominar o conhecimento anatômico e como usá-lo na criação artística. O professor Balmes também analisou muitas pinturas mundialmente famosas, apontando a essência e as deficiências de uma pintura de uma perspectiva anatômica, para que os leitores possam aprender a analisar pinturas de figuras com anatomia, melhorando assim sua capacidade de apreciar pinturas.

(Alemanha) Escrito por Gottfried Balmes e traduzido por Feng Shuaishuai

1 Anatomia da Arte - Passado e Presente 1.1 A Amizade entre Ciência e Arte Desde o final do século XIX, mudanças no pensamento artístico deslocaram completamente a origem da criatividade artística para a autonomia e autossuficiência do sujeito artístico. A partir de então, não houve mais diálogo entre o artista, a obra de arte e o público, restando ao sujeito artístico apenas uma única perspectiva de autoapreciação. Essas foram enormes mudanças de pensamento, mas tudo o que se seguiu foi questionado pelas pessoas. No processo de compreensão da essência da criação artística, a desigualdade do dualismo contribuiu para a disseminação do conceito de "modernidade", ou seja, os pintores devem tentar se familiarizar e compreender menos os objetos de suas pinturas (pessoas ou coisas), o que é muito semelhante às visões de Gustaf Britsch sobre ciência ou ciências naturais. Ambas terão um certo impacto negativo na experiência visual unificada. Portanto, devido à incapacidade de ser consistente com a eficácia de seu escopo central, o pensamento dualista acabou abandonando a equivalência artística.